今、日本の演劇界で必ず観ておくべき演劇ユニット。こう断言できるものは滅多にあるものではない。作・演出を手がけるケラリーノ・サンドロヴィッチの作品世界は、豊潤な多面体であり、これまでにも様々なテイストの作品を呈示してきた。そして、その中でも、彼が最も得意とするジャンルが「コメディ」である。日本の不条理コメディの大御所・別役実の戯曲を自己流でカヴァー(演出)したところ、本人からその理解度を絶賛され、近年では本人と共同での新作上演も行なうようになったその在り方は、ジョージ・ハリスンに対するジェフ・リンのような偉業をなした演劇人とも言えよう。固定の｢劇団｣という在り方では、常に抱えている役者たちに役を与えねばならない。そこで、劇団健康を解散し｢演劇ユニット　ナイロン１００℃｣へと移行し、女だけ男だけといった設定の作品なども発表してきた。しかし、今回のようなおなじみのオールスター揃い踏みという新作は、いつにも増してわくわくさせられる。
｢大仕掛け満載のＳＦコメディ｣「久々のバカ騒ぎ超大作」というのだから、観ない手はない。（未発表ロングバージョン）

引退した殺し屋が、ある御曹司の子守りとなる。その御曹司たるや33歳。子ども部屋の中から一歩も出ずに育てられていた。初めて外に連れ回された彼は次第に人生の素晴らしさを知り、殺し屋自身の内面も変化していく。一方で、"足を洗うことは許さん"とあの手この手で命を狙う、殺し屋時代の同僚達。やや詰め込みすぎだが、漫画チックな荒唐無稽さとレトロ・テイストが面白い。音楽も、女声スキャットほか70年代テイスト。ジャンルこそ違えど、同じくレトロ・テイストもの「ＣＱ」と見比べるのも一興（ちなみに『ＣＱ』のカッコよさは必見）。
(初出・REAL東京)

殺し屋が引退を決意した。とはいえ、自分の生活のため、そして父親の老人ホーム代捻出のため、ある御曹司のベビーシッターとなる。その御曹司たるや33歳。子ども部屋の中から一歩も出さずに育てられていた。それでも、無理矢理外に連れ回されることになって次第に人生の素晴らしさを知り、殺し屋の内面も変化させていく。
この映画は、もう1つの軸がある。主人公の殺し屋時代の同僚達が、彼を殺そうとあの手この手を尽くすのだ。そう、足を洗うことは許されない闇の世界。
ストーリーは、やや詰め込みすぎの観もあるが、漫画チックな荒唐無稽さに溢れている。しかも、どこかレトロ調。それが証拠に、音楽は女声スキャットほか渋谷系70年代テイスト。同時期に公開中の映画「ＣＱ」も似たテイストを売りにしているので、比較して味わうのも一興（ちなみに本作は『ＣＱ』より朴訥です）。
（未発表ロング･バージョン）

最初から最後まで浮遊感にあふれる「内容」と「映像」。
「内容」は、現実か夢の中かわからなくなってしまう主人公。どこへ行っても、多種多様な人物がひたすら深遠な話をモノローグで彼に語る。「現実と夢の違い」「存在とは」｢人生とは｣…。
見方を変えれば、哲学的で興味深いモノローグ短編のオムニバス的ともいえる構成だ。
ニュー・エイジ映画の名作として、以前たっぷり論じた｢スキゾポリス｣の監督S・ソダーバーグがこの映画で哲学の語り部の一人として登場しているのも偶然ではない。
「映像」は、"現実感溢れる動き方のアニメ"であり、それがまた｢現実と非現実のあいまいな境界｣を象徴しているかのようだ。実写映像にアート感満載の彩色を施しているその手法は、どうしても｢イエロー・サブマリン｣の"Lucy in the sky with diamonds"を思い出してしまう。｢イエロー・サブマリン｣とは"サイケ時代のファンタジア"としてフラワー・チルドレンたちを熱狂させた名作アニメ映画だ。
そういう意味では、内容・手法ともに、"精神世界とポップ・カルチャーの融合"と言う意味で、まさに正統な末裔ぶりである。ファースト・サマー・オヴ・ラヴから脈々と流れる"サイケデリック"は"ニュー・エイジ"と変質し、"洗練"という要素すら加味し、日常の中に当たり前に浸透しているのが２１世紀の今だ。さながら、この映画の冒頭から流れている趣味の良い室内楽やジャズのように。
観ている間中、この映画全体から｢リアルとは何か？｣という命題を浴びせられ続ける。「この映画を観ている自分の人生とて、夢かもしれない」――ふと浮上するその思いを否定できる根拠はない。"現実"と"虚構"の壁が極限まで薄くなった時感じる心地よさを、この映画で体験したまえ。
（未発表・硬派バージョン）

もし僕がこの映画を一言で説明しなきゃならないとしたら、「最初から最後まで浮遊感にあふれる"内容"と"映像"」となるのかもしれない。まさに、そういう映画だと思う。幸いにして、一言より多い字数を使って、その魅力を伝えさせてもらえるようなので、ちょっと、聞いて欲しい。
1）「内容」
現実か夢の中かわからなくなってしまう主人公が、その真実を確かめようと、歩きまわり、いろんな人に会うというだけのストーリーである。最初の人物が、ひたすら深遠な話をモノローグで彼に語り始める時が要注意。この場面を、単に「"何やら難しいことを語る人"登場のシーンね、はいはい」なんて誤解して、語っている内容を適当に聞き流してしまうと、もう乗り切れなくなる危険性大。なぜって、この映画は全編に渡って、こうだからだ。主人公の前に現れる人全員がそういうことばっかり話す映画なんだから(笑)。
彼らが語る内容は、「現実と夢の違い」「存在とは」｢人生とは｣「愛とは」｢言語とは｣｢コミュニケーションとは｣…。見方を変えればこの映画は、哲学的モノローグばかりをつないだショート・フィルム集ともいえるのだ。そんな"深遠な哲学"の語り部の一人として、S・ソダーバーグ監督なんかも登場しているから、その確信犯ぶりに苦笑させられる。彼は「トラフィック」「オーシャンズ１１」もそつなく撮る監督だけど、実は好き勝手にさせたら｢スキゾポリス｣を撮ってしまう人間なんだから（この超ニュー・エイジ映画については、『スキゾポリスの歩き方』でたっぷり書かせてもらっているのでひとつ読んでほしい）。
2）「映像」
"現実感溢れる動き方のアニメ"であり、それがまた｢現実と非現実のあいまいな境界｣を象徴しているかのようだ。どういうアニメかといえば、実写映像の上に色を塗る手法。実写(現実の動き)は、無駄な動きに溢れている。ストーリーに不必要な指先の動き、黒眼の微妙な動き、絶えず変わる目尻のニュアンス…。そんな無駄な動きが、本来は無駄が一切存在しない"アニメ"という手法で観た時の奇妙な感覚。
その彩色がまた、アート感覚満載なものだから、クールなイラストが生々しく動いている奇妙な感じだ。だから、どうしてもビートルズのサイケデリック・アニメ映画｢イエロー・サブマリン｣の"Lucy in the sky with diamonds"を思い出してしまう。「内容」・「手法」ともに"精神世界とポップ・カルチャーの融合"だなんて、この映画はもう、６０年代サイケデリック・カルチャーの正統な末裔といえるわけだ。
ファースト・サマー・オヴ・ラヴから脈々と流れ続けた"サイケデリック文化"は、いつしか"ニュー・エイジ文化"と呼ばれるようになり、"洗練"という要素すら加味して日常に当たり前に溶け込んでいるさまは、さながら、この映画の冒頭から流れている趣味の良い室内楽やジャズのようだ。これが、ビートルズが６０代になり、フラワー・チルドレン第一次世代が５０代になっている２００２年の世の中なのだ(誰がこんなクールな時代を予想したことだろう！)。
この映画を観ている間中、あなたは｢リアルとは何か？｣という命題を浴びせられ続けるだろう。「この映画を観ている今この瞬間の自分だって、たとえば誰かが死ぬ前に一瞬見る夢の中の人物なのかもしれない」――ふと浮上するその仮説を否定できる根拠は何もない。"現実"と"虚構"の壁が、０．０１ミリくらいまで薄くなった感覚の心地よさ。それこそがこの映画が与えてくれる快楽だ。

７７年製作のショート･コント･オムニバス映画。監督のジョン･ランディスはその後「モンティ・パイソン」をアメリカ的にしたら、ここまで(良い意味でも悪い意味でも)ＰＯＰになるのかという見本。ストーンズとエアロスミス、ビートルズとキッスの違いを思い出せばわかるだろう。２０年前より発見も多く、より深く味わえた。大ネタ「燃えよドラゴン」のパロディがＢＧＭや微妙な台詞までここまで細かくパロっていたとは。今回、「字幕監修・みうらじゅん」に期待したのだが、英語ギャグが的確に反映されたセンスある字幕というわけでなく失望。
（初出　ＲＥＡＬ東京）

７７年製作のショート･コント･オムニバス映画。
「モンティ・パイソン」をアメリカ的にしたら、こんなに翳りがなく(良い意味でも悪い意味でも)ＰＯＰになるのかという見本。英国のストーンズと米国のエアロスミスの違いと言えばわかってもらえるだろうか。ビートルズとキッスでもよいが。
字幕だけを見ていた２０数年前より新発見も多かった。
大ネタ「燃えよドラゴン」のパロディは、音楽や台詞まで実に細かくパロっていることがわかる。
例えば、ブルース･リーが少年に指導するシーンの有名な台詞"Wha' was that?"まで確信犯的に登場する。
また、地下牢に閉じ込められた廃人たちを悪の首領はこう形容する。
"They don't know where they are and they don't care ."（こいつらは自分たちが今どこにいるのかも気にしない連中だ）。この映画ではそれを受けて、廃人達の会話はこうだ。"Where are we now?"(俺達、今どこにいるんだ？) "I don't care."（どこだっていいじゃん） 。
まだギャグは続く。別の牢の前で首領がこう形容する。"They don't know where they are and they don't drink."(こいつらは自分たちが今どこに居るのかも知らず、そして酒を飲まない連中だ)。その牢の中の二人の会話は "Where are we now?"(俺達、今どこにいるんだ？)"I don't drink."(俺は飲まないよ)。
ポルノ映画の予告編ネタも面白かった。
主演女優リンダが一人ごろごろと芝生の上を転がり "She's doing classic role!" (役と転がるの意味をかけている)。リンダの両側に裸の女優を更に二人両脇座っている画面にかぶせて"Introducing Nancy & Susan!"(期待の新人、ナンシーとスーザン！の意)という文字が躍り、真ん中のリンダが「スーザン、こちらがナンシー。ナンシー、こちらがスーザン」と単に紹介（＝Introducing）するのだ。
今回、「字幕監修・みうらじゅん」ということで相当期待して臨んだのだが、以上のようなギャグがわかりやすく字幕に反映されているわけではない（せいぜい『ドラゴン　イカレの鉄拳』あたりにその味を感じた程度だった）。残念である。
(Unreleased long-version)

エピソード４(第１作)に関連する事物や場所が随所に登場することも含め、これまでの最高傑作といってよい仕上がり。なんといっても壮年ヨーダのかっこ良さ。良すぎて涙が頬をつたう。C3-POがR2-D2に初めて出会う瞬間に代表されるように、その後の人生を先に知っている我々だからこそ、どのシーンを観てもどの人物を観ても泣けて仕方がない。そしてそれは、宇宙(神)として偏在する視点のシミュレーションでもある。とにかくハリウッド正統派娯楽大作のすべてが盛り込まれ丁寧に作られた1作。映画史に立ち会うこの幸運を享受せよ。
(Unreleased version)

デビュー作（『ショーシャンクの空に』）・２作目（『グリーンマイル』）と、スティーブン・キング原作ものが続いたダラボン監督の３作目はオリジナル脚本だ。ハリウッド映画界そして映画館が舞台だけに、大人のニュー・シネマ・パラダイス的な趣きもある１作。ただし、時代は赤狩りファシズム吹き荒れる時代。ややもすればイスラム擁護論が白眼視されがちの９．１１以降の我々にその時代設定はむしろ生々しい。ハリウッドを襲った赤狩りに興味がわけば、ヨーロッパに亡命して映画を撮った男「ジョセフ・ロージー／四つの名を持つ男」を観るもよし。
（初出　ＲＥＡＬ東京）

デビュー作（『ショーシャンクの空に』）・２作目（『グリーンマイル』）と、スティーブン・キング原作ものが続いたダラボン監督の３作目はオリジナル脚本。赤狩りのファシズム吹き荒れる時代が舞台。右傾化を憂慮するそのテーマは、９．１１以降イスラム擁護論が白眼視されがちの今だからこそ重要な意味を持つ。ハリウッドを襲った赤狩りに興味がわけば、ヨーロッパに亡命して映画を撮った男「ジョセフ・ロージー／四つの名を持つ男」を観るもよし。
予告編から想像するに、浦島太郎（タイムスリップ）系か、あるいはかぐや姫（『Ｅ．Ｔ．』）系かと思いきや、単なる記憶喪失ものだったのは意外。根底にハリウッド映画讃歌もあるため、大人のニュー・シネマ・パラダイス的な趣きもある。「アトランティスのこころ」なんかもそうだが、大作ムードをはらみながら惜しくもそこまでは化けきれなかった作品。コーエン兄弟の｢バーバー｣が、小品ムードなのにかなり凄い作品だったのとは対照的だ。
（unreleased long version）

“少年だった日々の輝き”“特殊な能力を持つ者”...スティーブン・キングの二大路線をどちらも盛り込んだ映画である。不思議な力を持ち、暖かい包容力にあふれ、人生の先達として少年に様々な知恵を与えるその男性（彼が父親の象徴であることは、少年の家が母子家庭であることからも明らかである）を演じるのは、アンソニー・ホプキンス。その雰囲気は、どこか"隠遁中のレクター教授"。いつ少年に噛みつくかと心配しつつ「あの映画」のほのぼの番外編として観ると相当面白い。作り手もその点に関してほぼ確信犯と見た。地味なのに妙に思わせぶりな題名は結局未消化で、小粒にまとまった点は惜しい。
（初出　ＲＥＡＬ東京）

スティーブン・キングと聞いてあなたはどんな話を想像するだろうか。少年だった日々の輝き、特殊な能力を持つ男…この映画はその両方が盛り込まれている。不思議な力を持ち、暖かい包容力にあふれ、人生の先達として少年に様々な機智を教えてくれるその男を演じるのは、アンソニー・ホプキンス。これは期待しない方がおかしい。彼が、男の子にとっての父親の象徴であることは、その家が母子家庭であることからも明らかだ。
ただ、見終えてどこか小品の香りがするのはなぜだろう。「グリーン･マイル」のように“スペクタクル系でなくとも大作の香りがするもの”も可能なはずだ。｢光の旅人｣もそうだが、基本的な構造は「Ｅ．Ｔ．」。本家「Ｅ．Ｔ．」がいみじくも２０周年記念版という形で公開されたことも含め、同時多発的に現代は“物語”の復権が望まれている時代だということがわかる。
(Unreleased long-version)

テーマは“少年が性に目覚め、友人の姉にどきっとする様々な瞬間”。全編、少年がただ静かにどきっとしているのである。白いスカートから逆光で見えたシルエット等々、監督が少年期にどきっとしたあらゆる瞬間を、私小説的にこれでもかと集めたイメージクリップ集なのだ（最終的にはアイスキャンデーを様々な方法でなめる様子まで登場）。“淡いお色気”にこだわりを持った人間が丹念に作った奇作だとわかれば楽しめる。ストーリーや設定はそれらのイメージを成立させるための下僕である。子役達が意味を把握し演じているとしたら、まさに"役者"だ。
（初出　ＲＥＡＬ東京）

この映画のテーマは、“１０歳くらいの男の子が性に目覚め、友達の家の１３歳くらいの姉にどきっとする様々な瞬間”というものだ。どちらが誘惑するわけでもないし、どちらかが意思表示をするわけでもなく、ましてや成就するとか、そういう話ではない。少年がただただ静かにどきっとしているのである。人によっては、思わせぶりで何も起きない薄味の映画だと思うかもしれない。
しかし監督が描こうとしたものは、まさにそういう“微妙な情感”なのだ。逆光でスカートの中の下半身の輪郭が透けて見えた瞬間・綿シャツのボタンの隙間からちらり見えた下着・なわとび遊びに興じる姿…、“お下げ髪＆すっぴんのお姉さん（少女）”の清楚なエロチシズム。そのあらゆるモチーフを、監督のこだわりによってこれでもかとばかりに呈示し、つなげたイメージクリップ集なのだ（ついにはアイスキャンデーを様々な方法でなめる様子まで登場）。
この映画が、そんな微妙な嗜好を持つ人が丹念に作った私小説的作品だということを見抜きさえすれば、これが世に生まれたこの珍しい瞬間を楽しめることだろう。ストーリーや設定は、イメージを成立させるための下僕であり、友達の家に両親が一度もいないのはその意図を象徴的に明かしている。幼い子役達が脚本の意味を把握して演技しているのだとしたらまさに“役者”である。（宮永正隆）
（初出　ＰＯＰ　ＡＳＩＡ・４２号）

７２年、金大中氏が日本で何者かに拉致され、その５日後ソウル市内で発見された。大騒ぎではあったが（当時中１の僕など）意味不明のまま４１歳になっている（苦笑）。この事件に関係した日韓すべての人物の心理と行動を調査・証言を元に描くという試みを、W杯合同開催のこの時期に行なうのは意義深い。ノンフィクションとドラマの線引きが不明瞭なのはもったいなかった。あさま山荘事件の映画も続々製作され、ハリウッドでは「ALI」…“７０年代の総括”は近年の映画界の潮流の１つだ。あとは三島由紀夫事件。とりあえず日本未公開のハリウッド映画「Mishima」（主演・緒方拳）を見て過ごすべし。
（初出　ＲＥＡＬ東京）

'７３年に日本で起きた「金大中拉致事件」を描いた作品。
韓国の大統領候補である金大中が日本で何者かに拉致され、その５日後ソウル市内で発見された、この事件。当時は新聞やTVで連日大騒ぎだったが、（当時中１の僕なんかは）一体何が何だかわからぬままこうして４１歳になっている（苦笑）。
だから、W杯合同開催が迫るこの時期にこそ一度総括しておくべき事件であることは確かだ。
調査・証言を元にこの事件に関係した日韓すべての人物の心理と行動をスリリングに描ききるという試みは実に興味深い。“ノンフィクション×ドラマ”という触れ込みだが、どこからがフィクションなのか線引きがわかりにくいのはややもったいない。
あさま山荘事件を描いた映画が最近続けて作られ、ハリウッドでは『ALI』と、“７０年代の総括”は近年の映画界の潮流の１つだ。こうなれば、あとは三島由紀夫事件の総括を期待したい。それまでは日本未公開のハリウッド映画「Mishima」（主演・緒方拳　沢田研二・永島敏行らも出演）を見て過ごすべし。
(Unreleased long-version)

数々の逸話も含め「伝説」のへヴィー級チャンピオンである彼の半生を描くことは、アメリカのブラック・カルチャーの６０〜７０年代を描くことでもある。フォレスト・ガンプという架空の人物で、白人のそれを描いたように。だから、アトランタ五輪の聖火場面までを描けば更に見ごたえある作品になったのに、ボクサーとしての全盛期のみを描いた映画だったのはいささか意外。ついでに、その生涯のモンドな側面（アフリカの食人大統領アミンとの試合計画・フセインとの直接対話による人質解放・日本人的には対アントニオ猪木戦も）にスポットを当てた伝記映画も観たくなった。
（初出　ＲＥＡＬ東京）

KO予告を含む口数の多さ・徴兵拒否など数々の逸話も含め、伝説のへヴィー級チャンピオン、モハメッド・アリ。彼がどういう存在だったかを描く本作は、アメリカのブラック・カルチャーの６０年代７０年代を描く映画にもなっている。白人のそれをフォレスト・ガンプという架空のアイコンで描いたように。伝説の名試合の様子はなり忠実に再現されているので、あとで本物の試合フィルムと見比べるのも一興であろう。
アフリカの食人大統領アミンとの試合企画、直接フセイン大統領と対話し人質解放に成功したエピソード（そして日本人としては、対アントニオ猪木戦の意味など）モンドな生涯を勝新太郎的な破天荒な人物としての興味も尽きないだけに、９６年アトランタ五輪でパーキンソン氏病の姿で聖火に点火する姿までの｢生涯｣を描いているに違いないと思い込んでいた。しかしなんと“ファイターとしての全盛期”を描いたのみ。突然ストンとエンド・タイトルが登場したのにはいささか拍子抜け。
(Unreleased long-version)

タイトルは、モンスター界のエネルギー供給(原料は子供の悲鳴)を一手に引き受ける会社名。末永く愛される名作の誕生だ。実写では不可能な映像をさながら実写のように展開できる「フルCGアニメ」という技術の進歩は今更ながらもっと驚嘆されてもよい。五感に訴える隠し味は、子供時代に持っていた「大きく暖かそうで頼もしいもの（＝父性の包容力･安心感）に顔をうずめたくなるあの衝動」と、大人になって得た「無垢なもの（＝赤ん坊）に接して心洗われるあの気持ち」。スペクタクル場面が前作｢トイ･ストーリー２｣の焼き直しだった点は惜しかった。
（初出　ＲＥＡＬ東京）

タイトルは、モンスター界のエネルギー供給(そのエネルギー源は子供の悲鳴)を一手に引き受ける社名。社内で業績No.1を誇るできる男(モンスター)サリーが主人公。人間に置き換えて考えれば、仕事中のアクシデントが発端となって大変な社会的騒動に巻き込まれていくサラリーマンの冒険たんなのだ。
実写では不可能な映像を実写のように展開できるフルCGアニメの技術革新は、セルアニメがどんどん技術革新していった時代の衝撃もかくやと想像させられる。
五感に訴える隠し味として、子供時代に持っていた「大きく暖かそうで頼もしいもの（＝父性の包容力･安心感）に顔をうずめたい衝動」と、大人になって得た「無垢なもの（＝赤ん坊）に接して心洗われるあの感情」がこの映画の最大の魅力だろう。
こういう五感に訴える試みは、｢バグズ・ライフ｣の甲虫や芋虫やアリマキの発展型ともいえるし、そういう意味では｢トイ･ストーリー２｣で実験したスペクタクル場面の発展型のような場面もあるが、これは残念ながら焼き直しの域に留まってしまった。｢トイ･ストーリー２｣といえば、あの映画のテーマはかなり深いものだった。なんせ“幸福に満ちた永遠の命”と、“現世の人間との、近い将来必ずや終わりが来る程度の絆”のどちらを選ぶか･･･といった、哲学的な究極の選択がテーマなのだから。これは、出家信者が家族から目を覚ますよう説得される場面と本質はまったく同じなのだ。
しかしながら、｢モンスターズ・インク｣はそのキャラクターのキャッチ−さを含め｢トイ･ストーリ−２｣以上に末永く愛される気がする。そんな名作の誕生だ。劇場に行って立ち会わない手はない。
(Unreleased long-version)

オウム(現アレフ)の荒木広報副部長のイニシャルをとった前作「A」の続編。オウムの内部に入って、信者や外の世界の人々を捉える視点は､実にエキゾチックだ。
マスコミがステロタイプで報じている「各地住民との対立状況」は実は虚像であり、住民たちが次第に信者と仲良く共存している様子などをカットして放映しているのだとわかった時の衝撃。その理由を“問題の焦点をぼやけさせるから”とか言うのだろうが、ありのままを報道したらぼやけるような焦点ならそれを維持する必然があるのだろうか。
マスコミ側の理解の範疇を超えているからというだけの理由で、オウムに｢殺人集団｣というレッテルを貼り排斥衝動をあおる日本のマスコミの姿勢は、いつ何時アレフ信者でなく我々にも牙をむくかもしれない“村八分”の図式だと震撼させられる。
信者個々人の人柄などが浮き彫りにされていくうちに｢何だ、いい奴じゃん｣と思ってしまう。しかし次の瞬間には「もし、麻原にサリンをまけと命令されたら、ですか？　これ正直に答えちゃうとまた問題なんだろうなあ（笑）。…ええ、もちろん従いますね。だって、グルを信じてないなら信者やってる意味ないですし。僕なりに何生も先まで見つめた上での判断ですし…今生だけ見ているわけではないんで仕方ないです」とも語る。「信教の自由」は憲法で保証されている。つまり「宗教を信じる」という行為を「自由に行なってよい」という概念を追求していくと、アレフの信者たちを弾圧するのは江戸時代のキリスト教弾圧と同じ非道な行為なのだ。｢信じる｣｢帰依する｣という言葉の意味を我々は知っているではないか。宗教とはコミット（教義への服従）を求められるものであり、そうじゃなければ「その宗教の信者」とは言えないことも、我々は知っているではないか（だから、“自分は何教の信者だ”と名乗っていい日本人は少ない。大多数が無宗教という珍しい国。これはこれで面白い状態だとは思うが）。
オウム事件はこの大きく深い問題を各自考える最大のチャンスであった。にもかかわらず、単なるいじめの図式で、どこに行こうと際限なく石を投げて追い出し続ける状況のまま風化しかけている。
そんな幼児のような民度の国民とマスコミ報道に、なんとかクサビたらんとしている宝石のような映画。監督になぜ前作「A」をビデオ化しないのか尋ねたところ、「手を挙げるメーカーがないんです」とのこと。ドキュメントであって、アレフの広報映画ではないのに。この国は、｢事なかれ主義で、他人の目ばかり気にして、自分さえ良ければよい｣といった、七人の侍の百姓達のような、村社会型の巧妙で緩やかな統制が行き届いていることを痛感させられる。それこそが、この映画が浮き彫りにしたものなのだ。
（unreleased long version）

レトロな光景満載の伝記ドラマかと思ったら大間違い。写真や朗読で構成した「知ってるつもり」（ただし2時間20分）だった。だから映像美や演出を味わうという映画ではないが、ずいぶんとためになる。女性による文芸＆思想誌｢青鞜｣のリーダーとして当時｢新しい女たち｣などと嘲笑含みで注目され、生涯をかけて女性解放や世界平和運動を続けた彼女は、オノ･ヨーコの先達のような人だった。ロスト･ヴァージンのくだりや｢若いツバメ｣という言葉を生んだゴシップまさに現代のよう。禅道をもきわめた彼女の中心は常にゆるぎなく静かだ。動く映像は１４秒のみという条件下でよくまとめたものだ。
(初出　ＲＥＡＬ東京)